À la rencontre des grands-mères

En octobre 2010, sans itinéraire prédéfini, portée par les rencontres et les routes des provinces de Chungcheong, Jeolla, Gyeongsang et Gangwon, Eun-Me Ahn a demandé à des femmes âgées, paysannes pour la plupart, de danser pour elle, de façon spontanée. Certaines de ces grands-mères avaient 60 ans, d’autres 90.
Elles avaient toutes l’air heureux quand elles dansaient. Elles étaient heureuses d’être encore capables de danser, et heureuses que quelqu’un leur ait demandé de le faire. Leurs danses étaient si naturelles et si vivantes qu’elles ont entraîné dans leur mouvement les jeunes danseurs professionnels de ma troupe. Chacun de leurs gestes reflétait la rudesse de leurs conditions de vie. Comme si on regardait un extrait d’un documentaire qui parlerait à la fois du passé et du sol. Les corps ridés de ces grands-mères étaient comme un livre où auraient été consignées des vies vécues depuis plus d’un siècle. Chacune de leurs danses composait une épopée, déployée sur un rythme harmonieux dans une brève fraction de temps. À chaque rencontre avec l’une d’elles, nous regardions l’Histoire de la Corée moderne qui s’incarnait dans leur corps, comme si leur corps était un livre d’Histoire de notre pays, bien plus concret qu’aucun autre récit de la tradition écrite ou orale.

De ces rencontres, des images filmées dans les provinces, des réactions des danseurs de la troupe est né un spectacle tour à tour tendre et halluciné, qui mêle les énergies de tous pour finalement entraîner le public dans le tourbillon de son énergie. Un hommage aux temps anciens autant qu’à la vitalité inaltérable du mouvement. Comme l’écrit encore Eun-Me Ahn : Pour moi, le mouvement n’a pas seulement lieu à un moment donné, mais représente plutôt une sorte de fossile appelé à être actionné à un moment donné pour créer, par ses différentes gestuelles, tout un univers de souplesse où l’instant présent s’allonge à l’infini.

Source : Lola Gruber, extrait du programme du festival Paris Quartier d’été

Ah,  cette délicieuse tarte à la crème qu’est la confrontation “entre  tradition et modernité”…Combien de créateurs se sont débattus pour  trouver le moyen de décrire ce qui finalement est le lot de tout artiste  : d’une part, connaître, comprendre, assimiler ce qu’ont fait les  anciens, d’une autre, les oublier, les dépasser, pour espérer trouver  quelque chose de nouveau. Vaste programme…Sur ce terrain, Eun-Me Ahn que  la France à découverte en 2013 et 2014 grâce au festival Paris Quartier  d’Eté, a trouvé pour sa part des voies nouvelles, inattendues et  excitantes. 

Cela  tient d’abord à son propre itinéraire, marqué aussi bien par  l’apprentissage et l’exploration des traditions chamaniques, que par de  longues années passées à New York, ou encore par une amitié profonde  avec la regrettée Pina Bausch (dont elle a été à plusieurs reprises  l’invitée à Wuppertal). Coréenne et cosmopolite, figure de l’avant-garde  mais aussi chorégraphe de la très officielle cérémonie d’ouverture de  la Coupe du monde de football à Daegu en 2002 et présentée dans les plus  grands festivals internationaux, elle sait cultiver les beautés du  contraste, mélanger les pois, les rayures et les fleurs, jouer des  couleurs les plus pop avant de basculer dans la plus solennelle  austérité, jouer des plus subtiles nuances de l’androgynie, ou miser sur  la lenteur pour mieux faire éclater les rythmes de la transe…

Formée  à l’école de la rigueur, précise, exigeante, et d’une discipline toute  coréenne, Eun-Me Ahn est aussi une performeuse risque-tout, prête à  toutes les pirateries. On l’a ainsi vue se jeter du haut d’une grue,  puis, s’attaquer à un piano à coups de hache et de ciseaux, déchirer  elle-même sa robe de fée confectionnée à l’aide de cravates blanches  pour en distribuer les lambeaux au public tout en exécutant une Danse de  l’ours en peluche tirée d’un conte de fées, s’ensevelir, en costume de  clown, sous une pluie de ballons, enfermée derrière des barreaux en duo  avec un poulet, ou encore déguisée en champignon… Mais on aurait tort de  croire qu’il s’agit de provocation. Plutôt l’affirmation d’une  curiosité et d’une liberté tenues par le travail et le style et poussées  dans leurs retranchements les moins attendus.

Source : Gadja productions

Fabien Plasson est réalisateur, principalement dans le domaine du spectacle vivant (danse, musique, etc.).

C’est au cours de sa formation à l’École Nationale Supérieur des Beaux-Arts de Lyon qu’il intègre en 1995 que Fabien découvre l’art vidéo. Il se forme alors auprès de divers artistes vidéastes (Joël Bartoloméo, Pascal Nottoli, Eric Duyckaerts, etc).
Son approche s’inscrit d’abord dans une recherche plastique avec la création d’installations et d’objets filmiques.

En 2001, il rejoint l’équipe de la Maison de la Danse de Lyon et s’occupe durant 10 ans de la programmation du Vidéo-Bar Ginger&Fred. Il découvre alors l’univers chorégraphique et les enjeux de la vidéo pour la diffusion et la transmission de la danse aux côtés de Charles Picq alors vidéaste et directeur du service vidéo de la Maison de la Danse.

En parallèle, il continue son activité de création plastique, réalise des vidéos de concerts, de pièces de théâtre et crée également des décors vidéos pour le spectacle vivant.

Aujourd’hui, Fabien Plasson est réalisateur vidéo au Pôle Image de la Maison de la Danse de Lyon et pour Numeridanse.tv, vidéothèque internationale de danse en ligne.

Source : Maison de la Danse, Fabien Plasson