Après une première collaboration pour le « Show » en 2001, Foofwa d'Imobilité et Thomas Lebrun créent « Un-twomen-show ». C'est leur réponse à une commande de Lille 2004/Capitale culturelle, manifestation dont le thème général était le tango. Les deux chorégraphes décident alors de réaliser un « documentaire spectaculaire » apte à faire dialoguer la vidéo et les propositions scéniques. Ils veulent évidemment se référer à l'histoire du tango argentin, mais ils s'intéressent aussi à son utilisation dans l'histoire de la danse, essentiellement contemporaine. Ils choisissent de citer, voire de parodier, des artistes qui ont utilisé le tango dans leurs créations : Jean-Claude Gallotta, Oscar Araïz, Merce Cunningham, Dominique Bagouet, Daniel Larrieu, Hans Van Manen… C'est l'occasion de jouer des identités de genre et de s'emparer de cette danse de couple pour déconstruire les rôles sociaux de la femme et de l'homme. Ce spectacle est un spectacle engagé. Mais c'est un engagement dans le plaisir. La formidable présence des deux interprètes transforme le pastiche en une déclinaison d'exposés iconoclastes qu'ils nomment « théorires ». Le rire est une force lucide.

Du cours de tango selon Mademoiselle Yvonne au tango des bouchers de Boris Vian (à la façon des chanson de gestes), d'un duo de Geishas à une revue américaine, les chorégraphes se saisissent des clichés pour nous en proposer une autre lecture. La dérision renvoie l'esprit de sérieux à ses limites pour s'ouvrir au détournement des codes et des formes. L'écrivain argentin Jose-Luis Borges évoque le tango qu'il a vu « danser sur fond doré de crépuscule par des gens capables d'une autre danse, celle du couteau ». Mais, ici, le couteau est ce couteau de théâtre dont la lame s'enfonce dans la puissance du faux. Foofwa d'Imobilité et Thomas Lebrun s'emparent d'une « danse de société » pour se l'approprier et la transforment selon leur désir. Les deux danseurs s'appuient sur leurs territoires respectifs pour s'influencer mutuellement, leur complémentarité opère des glissements.
Dans la dernière partie du spectacle, l'un est habillé en blanc, l'autre en noir, le yin et le yang s'apparient. Leur connivence est généreuse, elle nous entraîne dans un jeu de déguisements où le masque est un art des surfaces, un art de vivre, une joyeuse obstruction aux schématismes identitaires. Leur précision dans le mouvement est étonnante et contraste avec la désinvolture affichée. L'outrance se conjugue à l'art du détail, la pratique populaire convoque un capital culturel, la performance de cabaret témoigne d'un questionnement sur l'art contemporain. Tout se passe comme si la possibilité de jouer était enfin l'enjeu.

Geisha Fontaine

Dernière mise à jour : mars 2010

Chorégraphe, danseur et directeur artistique français reconnu pour son travail novateur dans le domaine de la danse contemporaine. Depuis le début de sa carrière dans les années 1990, Thomas Lebrun a développé un style chorégraphique distinctif qui mêle élégance, émotion et humour. Formé en danse classique, il est interprète pour les chorégraphes Bernard Glandier, Daniel Larrieu, Christine Bastin, Christine Jouve ou encore Pascal Montrouge. En 2000, Thomas Lebrun crée la compagnie Illico, implantée en région Nord - Pas de Calais.

Ses premières pièces[1] donnent le ton des univers et esthétiques qu’il explore, allant d’une danse exigeante et précise à une théâtralité affirmée.

Il maintient une adresse conviviale au public au Centre chorégraphique national (CCN) de Tours, dont il prend la direction en 2012 et où il poursuit un travail chorégraphique prolifique et aux formats diversifiés[2]. Son travail qui allie préoccupations politiques à une écriture construite et subtile attire l’attention de nombreux lieux de diffusion tant en France (Théâtre national de Chaillot, Biennale de la danse de Lyon, Festival d’Avignon, Festival Montpellier Danse, Monuments nationaux, Micadanses) qu’à l’étranger (Angleterre, Belgique, Brésil, Canada, Chine, Corée du Sud, Croatie, Équateur, Finlande, Italie, Japon, Hong-Kong, Macao, Pays-Bas, Pérou, Russie, Suisse, Taïwan...). Poursuivant en parallèle des collaborations et coécritures chorégraphiques (Foofwa d’Imobilité, Cécile Loyer ou Radhouane El Meddeb), il chorégraphie également pour des compagnies à l’étranger notamment lors de saisons croisées de l’Institut français et répond à des commandes (Les Sujets à Vif- Festival d’Avignon/SACD en 2010, l’Académie de l’Opéra national de Paris en 2017, l'Opéra du Capitole de Toulouse en 2023).

Pédagogue de formation, Thomas Lebrun place la transmission au cœur de sa démarche. Il intervient régulièrement au Centre national de la danse de Pantin et de Lyon, au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, à la Ménagerie de Verre, au Balleteatro de Porto, à la Formation Coline à Istres, au CNDC d’Angers ou dans les territoires d’Outre-mer. Depuis 2018, en lien avec le CDCN de Guyane et la Scène nationale Tropiques Atrium en Martinique, il développe « Dansez-Croisez », un projet d’échanges chorégraphiques mettant en jeu artistes ultramarins et hexagonaux.

En juin 2014, Thomas Lebrun a reçu le Prix Chorégraphie décerné par la SACD et a été nommé au grade de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en mars 2017.

En juin 2023, son solo L’envahissement de l’être (danser avec Duras), décerné par le Syndicat professionnel de la Critique théâtre, musique et danse a reçu le « Grand Prix du meilleur spectacle chorégraphique de l’année ».

[1] On prendra bien le temps d’y être, La Trêve(s), Les Soirées What You Want ? Switch, Itinéraire d’un danseur grassouillet ou La constellation consternée.

[2] La jeune fille et la mort (2012), Trois décennies d’amour cerné (2013), Tel quel ! (2013), Lied Ballet (2014), Où chaque souffle danse nos mémoires (2015), Avant toutes disparitions (2016), Les rois de la piste (2016), Another Look at Memory (2017), Dans ce monde (2018), Ils n’ont rien vu (2019), Mes hommages (2020), de bon augure (2020), Mille et une danses (2021), L’ombre d’un doute (2021), L’envahissement de l’être (danser avec Duras) (solo 2023), Sous les fleurs (2023).

Depuis 2001, le Centre national de la danse (CND) réalise des captations de ses programmations de spectacle et de pédagogie et crée des ressources à partir de ces représentations filmées (interviews, conférences dansées, rencontres avec des artistes, démonstrations, grandes leçons, colloques spécialisés, montages thématiques, etc.).