Ballet instantanéiste en deux actes, un Entr’acte cinématographique et la Queue du chien

Le désir de présenter Relâche, ce spectacle légendaire de l’histoire des avant-gardes jamais repris depuis sa création, pour l’offrir au public nancéen trouve sa source dans l’amitié de près de trois décennies qui m’a lié au Professeur Bengt Häger. Bengt était le «bras droit» de Rolf de Maré, et son influence fut décisive lors de la création du Dansmuseet, le musée de la danse de Stockholm. Il fut pour moi un soutien sans faille tout au long de ma carrière artistique, depuis mes jeunes années à Stockholm et jusqu’à sa mort, survenue il y a deux ans. Ensemble, nous évoquions souvent la brève et éblouissante aventure des Ballet Suédois dans le Paris des années 1920. Parmi toutes leurs créations, celle qui n’a cessé de m’intriguer le plus est restée Relâche. Quant à l’étonnant film qui lui fait escorte, Entr’acte, les occasions n’ont pas manqué pour moi de le voir et de le revoir, au gré de ses projections dans les musées et les cinémathèques. Il m’a donc semblé que l’heure était venue de réinscrire cette œuvre dans le contexte géographique et culturel qui la vit naître : celui de la France. Au terme d’une année de recherches dans de nombreuses collections publiques et privées, c’est grâce aux ressources conjuguées du CCN - Ballet de Lorraine et de l’Orchestre symphonique et lyrique de Nancy, placé pour l’occasion sous la talentueuse direction d’Aurélien Azan-Zilienski que ce spectacle peut à nouveau briller de tous ses feux.

Petter Jacobsson

Apportez des lunettes noires et de quoi vous boucher les oreilles, avertissait un encart publicitaire paru dans une livraison de la célèbre revue d’avant-garde 391.

Avec l’humour insolent qui caractérise ses auteurs, le ballet est intitulé Relâche. Ce ballet instantanéiste en deux actes et un entr’acte cinématographique sont une commande de l’imprésario et mécène Rolf de Maré, le Diaghilev scandinave. Son principal maître d’oeuvre, Francis Picabia, figure majeure du mouvement Dada et complice de longue date de Marcel Duchamp. Son complice est Erik Satie, pianiste du légendaire cabaret Montmartrois le Chat noir. C’est lui qui, un an avant sa mort et avec une intrépidité intacte, en assure la réalisation musicale et Jean Börlin en conçoit la chorégraphie.

Quant au jeune René Clair, futur auteur d’À nous la liberté, il porte à l’écran un scénario conçu pour l’occasion par Picabia. Voici Entr’acte, l’un des tout premiers films surréalistes. Enchâssé dans le spectacle, sa projection elle aussi fait sensation. Car c’est bien la première fois qu’un spectacle destiné à la scène fait ainsi dialoguer le cinéma avec la danse, les arts visuels et la musique. Pour mieux confier au public le soin d’en résoudre l’énigme. En effet, de quoi y a-t-il Entr’acte pour qui fait Relâche ? C’est au terme d’une durable et passionnante recherche que le CCN – Ballet de Lorraine le fait aujourd’hui entrer à son répertoire. Pour vous en restituer l’intensité.

Christophe Wavelet

Source : CCN - Ballet de Lorraine

Jean Börlin est un danseur et chorégraphe suédois né à Härnösand le 13 mars 1893 et mort à New York le 6 décembre 1930. Il a travaillé avec Michel Fokine qui fut son professeur à Stockholm.

Jean Börlin était très apprécié de Michel Fokine, qui dira plus tard du danseur suédois « Il est celui qui me ressemble le plus ! Une nature ! Une extase ! Le sacrifice fanatique d'un corps meurtri afin de donner le maximum de l'expression chorégraphique ».

Formé à l'école du Ballet royal suédois, il entre dans la troupe en 1905 et est nommé premier danseur par Fokine en 1913. Il rejoint son maître à Copenhague en 1918, puis voyage en Europe et découvre la danse moderne.

Recommandé par Fokine, il est engagé aux Ballets suédois, fraîchement constitués par Rolf de Maré. Cette étape marquera ses débuts de chorégraphe, puisque la grande majorité des chorégraphies des Ballets suédois portent son nom. Il danse pour la compagnie à une époque où elle est en constante concurrence avec les Ballets russes de Serge de Diaghilev.

À partir de 1920, il assume les fonctions de danseur principal, professeur, maître de ballet et chorégraphe. Salué par la critique française, Börlin est considéré comme le successeur de Vaslav Nijinski.

Jean Börlin est emporté par la maladie en 1930, alors qu'il n'avait que 37 ans.

Source : Wikipedia

Lorsque René-Lucien Chomette pousse ses premiers cris, le 11 novembre  1898 à Paris, le cinéma est son aîné de 3 ans, et ils attendront  quelques temps avant de se rencontrer. Elevé dans la capitale française,  il devient ambulancier volontaire au crépuscule de la Première Guerre  Mondiale, et s’essaye ensuite au journalisme, dans les colonnes de "L’Intransigeant",  où il signe ses articles sous le nom de "René Després". Une activité  qu’il continue, quelques années plus tard, en dirigeant le supplément  cinéma de la revue "Théâtre et Comoedia illustré".

Entre temps, il devient René Clair et fait ses premiers pas devant la caméra, en décrochant des rôles dans Le Lys de la vie ou Parisette, réalisés en 1921, et ne met pas longtemps à vouloir passer derrière, puisque c’est en 1923 qu’il réalise Paris qui dort,  moyen métrage teinté de fantastique où il affiche déjà la poésie qui  caractérisera son cinéma. Mais c’est surtout l’année suivante qu’il  signe son premier coup d’éclat : sollicité par le Théâtre des  Champs-Elysées pour leur livrer un court métrage à diffuser pendant  l’entracte d’un ballet, il fait scandale avec son "Entr’acte"  d’inspiration dadaïste.

Plus classiques, même s’ils confirment le goût de leur auteur pour le fantastique, Le Voyage imaginaire (1925) et La Proie du vent (1926) calment un peu le jeu, tout comme ses adaptations, muettes, époque oblige, d’Eugène Labiche que sont Un chapeau de paille d'Italie (1927) et Les Deux timides  (1929). Mais c’est l’arrivée du parlant qui va donner un coup de fouet à  la carrière de René Clair, dont le nom commence à traverser les  frontières suite à la sortie de Sous les toits de Paris  (1930), où le fantastique a laissé place à un discours social et au  réalisme poétique, dont il est l'une des figures aux côtés de Julien Duvivier et Marcel Carné.

Une tendance que confirment Le Million et, surtout, A nous la liberté, satire dans laquelle la Tobis, sa société de production allemande, verra un précurseur des Temps modernes de Charles Chaplin  (1936), ce que René Clair a toujours réfuté. Il faut dire qu’à cette  époque, ce dernier a d’autres soucis en tête, et notamment les échecs du  Dernier Milliardaire (1934) et Fausses Nouvelles (1936), à peine rattrapés par le succès de Fantôme à vendre  (1935), qu’il tourne à Londres. De retour dans l’Hexagone, il voit le  tournage de son film suivant interrompu par la Seconde Guerre Mondiale  et s’enfuit à New York, après des passages par l’Espagne et le Portugal.

Réfugié  outre-Atlantique, le cinéaste profite de l’accueil qui lui est réservé  pour se refaire une santé en signant quatre longs métrages, parmi  lesquels Ma femme est une sorcière (1942), où il iconise l'actrice Veronica Lake, et Dix petits Indiens (1945), considéré comme l’une des plus fidèles adaptations des "Dix petits nègres" d’Agatha Christie. Le conflit et cette parenthèse enchantée terminés, René Clair regagne la France, où il renoue avec le succès, grâce au Silence est d'or (1947), puis La Beauté du Diable (1949), transposition du mythe de "Faust" sur grand écran, où il entame une collaboration avec Gérard Philipe.

Les deux hommes ne mettent pas longtemps à se retrouver, puisque l’acteur est ensuite à l’affiche des Belles de nuit (1952), où débute une certaine Brigitte Bardot, et Les Grandes manoeuvres (1955), premier film en couleurs de René Clair, qui décroche le Prix Louis-Delluc par la même occasion, et dirige ensuite Georges Brassens (dans son propre rôle) le temps de Porte des Lilas, d’après un roman de René Fallet.  Premier cinéaste élu à l’Académie Française, en 1960, il subit  toutefois de plein fouet l’avènement de la Nouvelle Vague, qui en fait  une de ses têtes de turc.

Devenu plus rare, il participe à des films à sketches (La Française et l'amour et Les Quatre vérités), puis signe ses deux derniers longs métrages en solo (Tout l'or du monde avec Bourvil et Les Fêtes galantes avec Jean-Pierre Cassel),  avant de se consacrer au théâtre et à la bande-dessinée, pour répondre à  une demande de l’Académie Française. Décédé le 15 mars 1981, il  s’illustre une dernière fois dans le domaine cinématographique au  Festival de Cannes de 1974 où, en tant que Président du Jury, il offre  le Grand Prix et celui du Scénario à deux américains en pleine ascension  : Francis Ford Coppola et Steven Spielberg. Un juste retour des choses pour ce réalisateur français à qui Hollywood avait permis de s’illustrer.

Source : Maximilien Pierrette

Après des études de mathématiques supérieures et de médecine, Luc Riolon débute la réalisation dans le cadre de sa faculté de médecine, puis rencontre les chorégraphes des années 1980 (Maguy Marin, Mark Tompkins, Josef Nadj, Daniel larrieu, Odile Duboc, Josette Baiz, Angelin Preljocaj, etc.) avec qui il tourne de nombreux films (recréation pour la caméra, captations). Dans les années 1980 avec le chorégraphe américain Mark Tompkins il introduit la vidéo sur la scène, retransmettant en direct sur des écrans géants les images qu'il tourne avec sa caméra en étant sur le plateau avec les danseurs, mélangeant images sur bande et direct.
Avec Daniel Larrieu, il participe à la création du spectacle Waterproof, chorégraphie contemporaine qui se déroule dans une piscine, en filmant en direct les danseurs évoluant dans l'eau et mixant les images en direct avec des images subaquatiques préenregistrées.
Puis il collabore pendant 10 ans avec Eve Ruggieri pour son émission « Musiques au cœur ». Il tourne avec elle de nombreux documentaires sur la musique classique, l'opéra et la danse.
À partir de 1999 il réalise des documentaires de vulgarisation scientifique, en suivant les travaux de chercheurs de terrain attachés à la résolution d’une énigme particulière. Ces deux domaines artistiques et scientifiques qui peuvent sembler bien séparés l’un de l’autre mais sont pourtant, au regard de Luc Riolon, animés de la même démarche. Le désir de comprendre le monde, que ce soit par l’art ou par la recherche scientifique, et restituer cette découverte au plus grand nombre. Parmi ses documentaires scientifiques récents, on peut citer par exemple « Tchernobyl, une histoire naturelle ?», « L’Énigme du Caïman Noir », « Voyage en eau trouble » ou « Delta du Nil : La fin du miracle ». Ces documentaires de vulgarisation scientifique ont récemment reçu des prix dans des festivals en France, comme à l’étranger.

Source: Vimeo