Nous sommes danseur.euse.s, praticiennes somatiques, artistes du toucher. Au sein de AIME, nous échangeons des savoirs du geste variés, venus de la danse, des arts du toucher, de l’ostéopathie, des pratiques somatiques, des arts martiaux… Nous sommes à la recherche de gestes inédits, de poétiques multiples des corps, nous travaillons à inventer du mouvement, à toucher et faire toucher, à sentir et faire sentir, écouter et faire entendre. Nous ouvrons des espaces artistiques d’écoute, de pensée et de sensation. L’équipe de A.I.M.E.

 Alain Michard est chorégraphe et artiste visuel.  

 Il porte une attention particulière au quotidien, aux objets et aux vies  modestes. Il en fait un sujet de prédilection, un matériau, mais aussi  le contexte de ses créations.
Son projet artistique est conçu comme la rencontre d'une expérience  simultanément intime et collective, qui cherche a créer une proximité  teintée d'inquiétude.
Tour à tour sur scène, sur l'écran, et dans l'espace public, il travaille le hors-champs, comme espace de projection de l'imaginaire. Son goût pour le décalage, pour la fragilité des équilibres et des  choses, donne à ces pièces un tonalité que l'on peut qualifier d'"humour  inquiet". Ses thèmes de prédilection sont les processus et les enjeux  de la communauté, et le voyage, comme mouvement et dynamique  d'expériences.

Photo - Emilie Saubestre

Le ballet de danse physique contemporaine a été créé en 2015 par l’auteur chorégraphe David LLARI.

La  danse physique contemporaine est un langage qui repose dans l’intention  derrière le geste. Le mouvement dansé, habité avec authenticité,  s’émancipe de toutes formes de danses déjà existantes. Le danseur, dans  sa pleine ipséité, peut alors servir les pièces de l’auteur.

Résultat  d’une chorégraphie d’anticipation et de recherche, les chorégraphies du  BDPC posent un regard singulier sur le monde et la société. Au-delà des  scènes spécifiques à la danse, le BDPC se déploie sur des lieux comme  l’espace public, les monuments, les musées ou les zones urbaines les  moins habituées à recevoir des manifestations culturelles. Le BDPC a  recruté ses danseurs à l’international : France, Angleterre ou  Allemagne. Le BDPC dispose de ses compositeurs, d’une équipe de  techniciens audiovisuels, de son personnel administratif et d’un réseau  de collaborateurs ponctuels, issus de diverses disciplines artistiques.

À la tête du Ballet national de Marseille depuis septembre 2019, (LA)HORDE crée des pièces chorégraphiques, des films, des installations vidéo et des performances avec comme sujet principal permanent, le corps en mouvement. À l’aide de mediums multiples, elle.ils développent des scénarios et des actions qui prennent racine dans des problématiques contemporaines et se déclinent sur plusieurs espaces de narration.

Depuis sa première édition en 1984, la Biennale de la danse se construit sur le projet d’abolir les frontières stylistiques et géographiques, afin de mettre le plus grand nombre de spectateurs possible face à toutes les danses d’aujourd’hui. Directrice artistique depuis 2012, Dominique Hervieu fait de la Biennale un festival de création et élabore une esthétique de la diversité en proposant une programmation qui prône un foisonnement esthétique.

Après neuf années passées à la direction du Centre Chorégraphique National de  Roubaix, Carolyn Carlson créée la Carolyn Carlson Company, en résidence  de 2014 à 2016 au Théâtre National de Chaillot.

Forte  d’un répertoire hors norme et accompagnée de danseurs fidèles à la  poétique de sa gestuelle, la chorégraphe poursuit sa démarche créative.  Chaque année, la Carolyn Carlson Company porte au moins deux projets  d’envergure, une création ainsi que la transmission de pièces de  répertoire aux plus prestigieux corps de ballets, tout en continuant à  tourner les spectacles de la chorégraphe à travers le monde.

 Dirigé depuis janvier 2017 par Maud Le Pladec, le Centre chorégraphique  national d’Orléans pose la question des publics comme son enjeu central. La création dans toutes ses formes, de manière transversale, parcourt  le projet dans toutes ses dimensions auprès de tous les publics. Le CCNO  propose de partager, d’explorer avec les gens l’autour, l’avant et  l’après. Ateliers lundi after work, samedi brunch, stages, festival,  performances, ouvertures publiques, conférences, créations  participatives, résonnent avec le travail de la création des artistes en  résidence au CCNO ou programmés au Théâtre d’Orléans.  

Le centre chorégraphique national de Caen en Normandie est un espace de  projets partagés qui interroge le monde dans lequel nous vivons, un lieu  du sensible où la danse est au cœur d’une vision artistique, politique  et citoyenne. C'est un centre de création, de production et de diffusion  de pièces chorégraphiques, un pôle ressource de formation et de  recherche. C’est un lieu en partage, un lieu ouvert à la création  artistique, au répertoire contemporain. C’est un endroit accessible à  tous, où l’on vient voir, faire et parler.

Né d'un croisement entre le musée, lieu de conservation et  d'exposition, la danse, art du mouvement, et le centre chorégraphique,  lieu de production et de résidence, le Musée de la danse est une  institution-laboratoire dont le cadre se transforme en fonction des  objets, des idées ou des corps qu'il abrite. Les différents événements  de ce chantier dirigé par le danseur et chorégraphe Boris Charmatz  forment un jeu de combinatoire, explorant les possibilités de croisement  entre exposition, geste performatif et articulation d'un discours : un  dire, un faire, et un comment-le-faire simultanés.

Dirigé par Yuval Pick depuis 2011, le CCN de Rillieux-la-Pape est un lieu de fabrique et de rencontre dédié à la danse et à la création  artistique. Doté d’une compagnie permanente, il place l’artiste interprète au cœur  de son action. Son projet s’articule autour de différents axes : la fabrication des  créations de Yuval Pick et leur diffusion, les rendez-vous publics pour  découvrir le travail des artistes en résidence, spectacles ou temps  forts, un programme de formation pour les danseurs professionnels, des  projets d’action artistique et ateliers de pratique amateur.

Dirigé depuis juillet 2011 par Petter Jacobsson, le Centre Chorégraphique National - Ballet de Lorraine est dédié aux écritures chorégraphiques contemporaines depuis l’obtention du label de CCN en 1999.
Il est pensé comme le lieu de tous les possibles en matière de recherche,  d’expérimentation et de création artistiques. Il se veut une plate-forme ouverte aux différentes disciplines, un espace de rencontres des multiples visions de la danse d’aujourd’hui. Le CCN – Ballet de Lorraine, et ses 26 danseurs, forment ainsi l’une des compagnies chorégraphiques contemporaines de création et de répertoire les plus importantes d’Europe, présentant des œuvres marquantes de chorégraphes majeurs.

De 1992 à 2015, le CCNN –Centre Chorégraphique National de Nantes a été dirigé par Claude Brumachon. Chorégraphe de l’humain et explorateur du corps, il n’a cessé avec son complice Benjamin Lamarche de créer et d’entretenir d’étroites relations entre les publics et leur art.Depuis le 1er janvier 2016, Ambra Senatore est la directrice du CCNN. Elle qui a fait de l’humain son terreau créatif privilégié, a imaginé un endroit vivant et vibrant dans lequel toutes et tous peuvent trouver une place : artistes bien sûr, mais aussi habitants, amateurs, partenaires du territoire. Un lieu porteur de créativité et d’ouverture, comme une invitation à un voyage à inventer et partager, ensemble.

Créer, rassembler, partager

En s’appuyant sur son histoire personnelle et son parcours, Mehdi Kerkouche souhaite inscrire le CCN comme un espace sans frontières, à l’image de la danse, un horizon ouvert à toutes les diversités sans restriction de genres et connecté à tous les récits et les identités plurielles. Cet état d’esprit, au cœur de son engagement, créera les conditions d’un projet engagé et inclusif. Mehdi Kerkouche porte un projet d’ouverture pour le CCN de Créteil et du Val-de-Marne| EMKA en affirmant la chorégraphie comme un langage universel et en proposant un CCN ouvert à toutes les danses et tous les styles. Son projet inclut la mise en place d’un studio de création numérique assis sur sa conviction : « Bien équilibrée, la création physique et la création numérique ne peuvent que se répondre, se compléter et permettre l’acquisition d’un public toujours plus grand et nouveau. » Il souhaite s’appuyer en particulier sur l’expérience acquise autour de l’événement qu’il a créé, On danse chez vous, pour fédérer un public large et diversifié autour de la danse, aussi bien par ses futures créations que par les multiples propositions en direction du territoire d’implantation du CCN qu’il désire renforcer. Il entend orienter ses soutiens d’accueil-studio vers un meilleur accompagnement des compagnies en particulier au plan de la diffusion, y compris par des résidences d’arts numériques pour une plus large circulation des œuvres. Enfin, il souhaite faire du CCN de Créteil et du Val-de-Marne | EMKA « un centre de référence du Grand Paris, qui respecte en même temps l’histoire de son territoire urbain, parisien comme au-delà du périphérique, en collaboration directe avec l’ensemble des structures partenaires du CCN dans le champ chorégraphique et au-delà»..

***

Le CCN a été dirigé par Maguy Marin (1985-1998), José Montalvo-Dominique Hervieu (1998-2009) puis Mourad Merzouki (2009-2022).

 

Une plateforme internationale consacrée à la promotion, à l'enseignement et à l'étude de la vidéo-danse et autres pratiques d'images hybrides explorant la chorégraphie, les pratiques somatiques et les études de mouvement. Le Centre produit chaque printemps le Festival International de Vidéo Danse de Bourgogne.

Situé place du Trocadéro, dans le 16e arrondissement de Paris, Chaillot - Théâtre National de la Danse est l’un des lieux les plus prestigieux de la capitale. Il est depuis 2008 principalement consacré à la danse, mais reste ouvert à toute la diversité des esthétiques et se distingue comme un théâtre de création. Le chorégraphe Didier Deschamps en a pris la direction en juillet 2011.

La collaboration de Christian et François Ben Aïm débute en 1997, avec la création d'une première pièce à quatre mains et se structure en 1999 avec la création de la compagnie CFB 451. A ce jour, ils ont chorégraphié ensemble une vingtaine de pièces.Christian et François Ben Aïm affirment dans un tandem fraternel une danse contemporaine sensible et poétique à l'écriture physique. À travers leurs créations ils mettent à nu nos ambivalences, nos fragilités, nos relations aux autres pour mieux révéler les différents visages de notre humanité.

La Compagnie La Baraka est née en 1997 à l'initiative d'Abou Lagraa. Plébiscitée par le public et les professionnels, la compagnie se produit sur les plus grandes scènes de France mais aussi à l’étranger, notamment en Allemagne, Italie, Algérie, USA, Europe de l’Est, Asie... La compagnie compte aujourd’hui 28 pièces au répertoire et développe un important travail de sensibilisation à l'art chorégraphique auprès du grand public.

Centre d’art pour la danse, proposant une circulation permanente entre  création, diffusion, patrimoine et formation, le Centre national de la  danse est aussi un lieu essentiel d’information, de conseil aux  professionnels et d’accès à la culture chorégraphique. Pôle associé de  la BnF pour la danse, il conserve et propose des collections  patrimoniales et documentaires uniques concernant l’histoire de la danse  et la création contemporaine.

Créé en 1978, le Cndc (Centre national de danse contemporaine) est  une institution unique dans le champ chorégraphique. Le Cndc réunit un  centre de création chorégraphique, une école supérieure de danse  contemporaine et une programmation danse.

Tout au long de l’année, des artistes internationaux créent et partagent leurs œuvres avec le public. L’école du Cndc bénéficie d’un ancrage privilégié au cœur de la création contemporaine. Elle résonne ainsi en  permanence avec les enjeux et les innovations du terrain professionnel. 

 En juillet 2020, C'est Noé Soulier qui prend la direction du Cndc d’Angers.
 

Chaque création portée par la compagnie Arcosm reflète un désir de réunir des personnalités et des univers forts. Depuis la fondation de la compagnie en 2001 à Lyon, le chorégraphe Thomas Guerry aime s’entourer d’une équipe dont la constellation se définit à mesure de chaque projet, motivée par les rencontres artistiques et portée par des collaborations fécondes autour de thèmes fédérateurs travaillés en commun. Danseurs, scénographes, musiciens, comédiens et costumiers oeuvrent ensemble à la naissance d’un univers poétique où la danse entre en dialogue avec d’autres formes d’art. Poussé par une vraie curiosité et une soif de renouveler la relation aux spectateurs, Arcosm se saisit d’une pluralité d’outils : chant, texte, danse, musique, mime, travail d’acteur, image filmée, le corps est pris dans son entier. Danse physique, travail de la voix, expressivité de la mise en scène qui va puiser dans des codes du théâtre corporel, la danse d’Arcosm se nourrit ainsi à plusieurs sources et renouvelle son vocabulaire au fil du temps. Perturber le cours des choses avec fougue, jouer avec le déséquilibre, la surprise et l’imprévu au sein d’une écriture cadrée et maîtrisée, imaginer un monde à partir d’éléments scénographiques forts sont autant de lignes directrices qui guident à ce jour le travail d’Arcosm. Entre théâtre onirique et rêverie dansée, chaque pièce est emmenée par une énergie communicative et un univers expressif qui interpellent le spectateur, qu’il soit petit ou grand.

Avec la singularité de son projet artistique et son expérience, La Compagnie de Danse l’Eventail est reconnue comme pôle de référence essentiel dans le domaine de la création et transmission de la danse baroque aujourd'hui. Contribuant activement à la découverte des richesses, à la vitalité de cet art, ainsi qu’au rayonnement de la culture chorégraphique française, elle montre une audace créatrice : partant des racines du passé, elle impulse des innovations et ouvre la voie pour un large public. Elle développe quatre démarches complémentaires reliant mémoire et innovation, passé et contemporain : • la conception de spectacles originaux sur des arguments ou des concepts contemporains, • la création de chorégraphies dans l’esprit des 17ème et 18ème siècles, • la recherche appliquée sur les partitions chorégraphiques du 18ème siècle ("De la Plume à l’image" en partenariat avec le Centre National de la Danse depuis 2011), • les actions pédagogiques et culturelles notamment à destination du jeune public.

La Compagnie Irène K. est une Compagnie de danse contemporaine fondée en 1977 par Irène Borguet - Kalbusch, qui depuis lors en assume la direction artistique.
 

 Les chorégraphies ne se veulent pas narratives; l'espace s'ouvre dans  toutes les directions, dans de toujours nouvelles constellations. C'est  l'être humain, ses désirs, ses angoisses, ses visions qui sous une forme  ou une autre sous-tendent le propos du travail.
 

 Les danseurs qui collaborent au travail de la Compagnie sont des  professionnels de différentes nationalités. La Compagnie Irene K. a  développé un style personnel contemporain proche du "Tanztheater".
 

 Outre les spectacles de danse sur plateau – y compris pour les enfants,  la Compagnie propose des performances dans des lieux et des  architectures intéressantes. C'est en se pliant aux contraintes de ces  lieux et même plus en les exploitant que naissent des images nouvelles,  fugaces mais combien surprenantes.
 

 La Compagnie Irène K. développe régulièrement des projets pédagogiques, créatifs ou interdisciplinaires.
 

 La Compagnie Irène K. organise chaque année le Festival Danse en Ville. 

Créée en 1993, la Compagnie Yvann Alexandre est une compagnie professionnelle de danse contemporaine phare de la région des Pays de la Loire. Attachée depuis ses débuts aux allers-retours entre professionnels, amateurs et tout public, tout en proposant ses créations, la compagnie tisse une politique d’échanges, de rencontres et de formation. Au-delà de la simple diffusion, la compagnie mène un projet audacieux, exigeant et rayonnant à la croisée de la création, de la transmission et des territoires.

La compagnie développe ses créations, sur scène ou in situ, autant sur le territoire local qu’à l’international et les créations récentes pour la scène nationale de Sceaux, le Panama, la Tunisie ou le Centre des Monuments nationaux par exemple, témoignent de ces territoires investis. Un projet qui s’écrit ente fidélité assumée après 27 saisons chorégraphiques et nouvel élan avec des partenaires renouvelés.

Elle construit depuis 2004 un lien étroit avec le Québec, sous la forme de résidences de création, de diffusion et de développement de public et qui prendra un nouvel élan prochainement avec le lancement d’ARCHIPEL : un ensemble de partenaires culturels solidaires aux écosystèmes diversifiés et mutualisés pour un nouveau modèle de coopération culturelle.

Particulièrement attentive à l’ouverture sur l’art chorégraphique dès le plus jeune âge, la compagnie développe et construit à partir des créations des parcours multiples à destination du monde scolaire dans un projet novateur et reconnu. Des parcours conjugués, croisés et transversaux dont la Petite Université de la Danse en est le cœur.

Yvann Alexandre est un chorégraphe de lieux. Depuis ces débuts. En 2019, la compagnie prend la direction artistique du Théâtre Francine Vasse à Nantes avec un projet innovant qui démarre par la transmission pour arriver à l’œuvre : Les Laboratoires Vivants. Un lieu pour les autres, un lieu ensemble. Pour faire œuvre ensemble.

La Dachverband Tanz Deutschland est une plateforme nationale consacrée à la danse artistique en Allemagne. Lorsqu’ils l’ont créée en 2006, ses protagonistes avaient conscience que la danse devait parler d’une seule voix dans le paysage politique allemand. La Dachverband Tanz fonctionne désormais comme un réseau entre les acteurs les plus importants du monde de la danse.Quarante associations, institutions et personnalités représentent environ 3000 acteurs importants du monde artistique (chorégraphes, directeurs de compagnies, formateurs de danse et de ballet, chercheurs en danse) en lien avec près de 10 000 artistes, formateurs et professeurs. Grâce à ses nombreux articles, conférences et campagnes, la Dachverband Tanz cherche à renforcer la place des artistes et des travailleurs de la danse et à améliorer la visibilité de la danse dans notre société.

Directrice artistique de Dame de Pic, chorégraphe et interprète, Karine  Ponties est l’auteur de quarante pièces dont Every Direction Is North (Golden Mask pour le meilleur spectacle de danse contemporaine en  Russie), Holeulone (meilleur spectacle de danse en Belgique francophone) et Brutalis (prix SACD). L’univers de ses créations se caractérise par son sens de l’absurde, son exploration de l’intimité, de l’organique et des relations humaines. 

 Photo by ©Andrea Messana

L’association Don Sen Folo travaille depuis 2010, historiquement dans le  quartier de Kalaban Coro à Bamako et aujourd’hui dans la commune rurale  de Bancoumana, sur la question de l’accès à la culture avec pour  leitmotiv que l’on ne peut acheter que ce que l’on connait. Nous sommes  persuadés que l’Art et la Culture peuvent devenir les moteurs  économiques de la société de demain, nous œuvrons alors pour faire  connaitre et comprendre notre travail en temps qu’artiste à nos  populations. 

Dans la continuité de son partenariat avec la Maison de la Danse, la Fondation BNP Paribas a dès 2007 prêté une oreille attentive au projet ambitieux imaginé par Charles Picq. Toujours dans cette idée de développer les publics de la danse mais aussi de préserver, de faire mieux connaître et rayonner le patrimoine de la danse, elle s’est donc tout naturellement associée à la Maison de la Danse et au Centre national de la danse, pour lancer le site internet de Numeridanse.

Créé en 2014, Hangars Numériques est une association loi 1901 permettant de  réunir différentes compétences inhérentes au domaine de la création numérique interdisciplinaire.  Elle réunit des vidéastes, des danseurs, des musiciens, des techniciens  sons et lumières, des informaticiens et des photographes.

L'objet de l'association est de favoriser le développement et la recherche en création ; se former, apprendre, acquérir de nouveaux savoirs-faire, mais aussi transmettre aux autres dans un esprit de partage des connaissances et l'échange entre les pratiques.

​

L'association apporte régulièrement son soutien à différents projets artistiques et culturels  : festivals transdisciplinaires, structures associatives artistiques et culturelles, artistes émergents, écoles privées, centre de  ressources, etc.  

​

En  interne, la structure et ses membres développent de nombreux projets, organisés autour de deux pôles artistiques : l'image et la musique. Son  projet phare est le Festival International de Danse Animée qui se déroule en décembre à La Réunion, porté par le Centre de Recherche en Danse Animée.

​

A  terme, l'association vise à favoriser les échanges culturels  internationaux entre artistes plasticiens, danseurs/chorégraphes et  musiciens.

Chorégraphe, pédagogue, découvreur de talents reconnu sur les scènes nationales et internationales, Heddy Maalem décide, en 2017, de recouvrer sa liberté créatrice en mettant un terme à sa compagnie chorégraphique après plusieurs tours du monde avec ses créations (Black Spring, Le Sacre du printemps, Mais le Diable marche à nos côtés, Éloge du puissant royaume...). Dans l'intimité de son atelier et au cours de nombreux voyages, il renouvelle ses relations avec les interprètes en menant des recherches vidéographiques. Il a ainsi réalisé le film « A l’étranger, portraits de danseurs » et la collections « Beautés collatérales ».

Faisant suite aux directions successives de Dominique Bagouet (1984 à 1992) et Mathilde Monnier (1994 à 2013), Christian Rizzo écrit depuis 2015 un nouvel épisode pour le CCN de Montpellier. Intitulé désormais ICI pour Institut Chorégraphique International, le CCN nourrit une vision transversale de la création, de la formation, de l’éducation artistique et de l’ouverture aux publics. Prenant support sur les pratiques et les territoires, son nouveau projet est avant tout un espace prospectif qui prend à bras le corps, l’invitation d’artistes, l’écriture du geste chorégraphique et les manifestations de son partage. Face aux mutations que traversent les pratiques de la danse et du secteur professionnel, il est aujourd’hui nécessaire de poursuivre tout en réactivant l’élan de cet outil de création, de production et de formation. Dans cette dynamique, le projet d’ICI—CCN permet d’impulser une perspective commune à toutes les missions qui le caractérisent, afin de tisser des liens curieux et ambitieux entre artistes, publics, étudiants, amateurs et chercheurs. " Entre une académie expérimentale et un caravansérail. " ICI—CCN est pensé comme une maison d’artistes, un laboratoire ouvert, conscient de son histoire et tourné vers l’avenir, sorte d’hybridation entre une académie expérimentale et un caravansérail : une académie expérimentale, tel un accélérateur de particules, qui concentre et impulse des travaux de création, de recherche, de formation et de production de savoirs inédits. un caravansérail, lieu d’échange par excellence, qui active la diffusion, la transmission, les ouvertures publiques et les échanges vers de nouveaux horizons. Entrecroisés et interdépendants, ils participent tous deux à la dynamique d’un espace créatif, irrigué par les enjeux de la danse et de ses extensions, tout en invitant chacun à prendre part à l’aventure. Une trajectoire propre à explorer la multiplicité du chorégraphique et de la diversité des territoires de la création.

Jaï Production est née en 2019 d’une envie impérieuse : accompagner en production des artistes chorégraphiques du Bénin, qui, malgré le peu de moyens mais grâce à une ténacité, une inventivité, une énergie prodigieuses et un indéniable talent, s’emploient à faire vivre leur art. 

Chaos Elégant, du chorégraphe béninois Arouna Guindo est notre première production (2020-2021).

Jaï Production a pour vocation de poursuivre cette démarche de repérage des danseurs et chorégraphes de cette région de l’Afrique et de mettre en lumière l’activité chorégraphique foisonnante et prometteuse qui se déploie sur le continent. 

Il s’agit aussi de contribuer à documenter à travers la recherche, la création et la valorisation d’archives de danse la consolidation du champ chorégraphique contemporain africain qui est à l’œuvre depuis une dizaine d’années et dans lequel le Hip hop et les danses urbaines occupent une place importante. 

Son parcours artistique et professionnel s’est construit grâce à des projets au point de rencontre de la danse, de la performance, de la photographie et de la vidéo, en n'ayant de cesse de s’enrichir de collaborations protéiformes, innovantes et hybrides. 
À travers la création, Jérémy Tran tente de saisir, amplifier et transformer l’énergie et la présence du corps — sur la base d’une recherche chorégraphique et cinématographique — afin d’en révéler les essences et les instincts. Il porte également une grande attention à l’expérience collective de la création et à la relation artistes-œuvres-spectateurs qu’il souhaite sensible, pédagogique et généreuse. 

La compagnie K. Danse se distingue par le  développement d’une écriture chorégraphique contemporaine basée sur une  constante dialectique entre le corps vivant (vécu) et le corps visuel  (donné à voir ou virtuel).

Actuellement, Jean-Marc Matos (concepteur, chorégraphe), en  partenariat avec plusieurs proches collaborateurs, travaille sur les  problématiques de l’écriture de dramaturgies interactives, notamment  autour de projets à dimension participative qui interrogent les  relations spectateurs-danseurs-environnement (exemples : Metaphorá, Narcissus Reflected, RCO, BodyFail).

Karine Saporta est également Chevalier de la Légion d’Honneur, Officier des Arts et des lettres. La chorégraphe  a été à l’initiative de la création de l’Association des Centres chorégraphiques Nationaux dont elle a assuré la Présidence. Elle a été élue par deux fois, Présidente de la Commission Danse, vice-présidente  de la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (SACD). Après avoir assuré la direction du Centre Chorégraphique National de Caen  Basse-Normandie, elle retrouve la direction de la Compagnie Karine  Saporta laquelle prend résidence à la Bibliothèque nationale de France.

Aujourd’hui, cette figure emblématique  de la danse contemporaine française prolonge sa démarche de créatrice  dans le cadre d’un projet de transmission philosophique et  chorégraphique qu’elle mène, en particulier, en Normandie où sa  compagnie est actuellement implantée, avec Le Dansoir Karine Saporta et elle fonde également un Centre international pour l’art & la pensée en Normandie : « La Mue ». Le Centre de La Mue (en partenariat avec des collectivités, l’Université et la Caisse des  dépôts et consignations) a pour vocation les échanges artistiques et  intellectuels internationaux en Normandie.

Amoureux du mouvement et des danseurs, de ces instants exceptionnels où le geste bascule dans le rôle, Michel Kelemenis articule ses créations autour de la recherche d’un équilibre entre abstraction et figuration. Pour son style qui allie finesse et performance, le chorégraphe est sollicité par les ballets de l’Opéra de Paris, du Rhin, du Nord, de Genève ou de Marseille. A son initiative, en 2011, est inauguré KLAP Maison pour la danse à Marseille, équipement de 2000 m2, dédié à la création et à la culture chorégraphiques.

LALANBIK-CDC OCÉAN INDIEN CONSTRUIT UNE PLATEFORME CHORÉGRAPHIQUE À LA RÉUNION, DANS L’OCÉAN INDIEN.

LA DANSE, COMME L’OCÉAN VASTE, RICHE, VIVANT, OUVRE LES IMAGINAIRES, DÉPLOIE LES CORPS, TRANSFORME LES REGARDS, RELIE LES INFINIS.

LALANBIK - Centre de développement chorégraphique - océan Indien, CDCN en préfiguration, implanté à La Réunion à Saint-Pierre, capitale du Sud, est engagé auprès des artistes et populations pour la valorisation du patrimoine chorégraphique vivant à La Réunion et dans l’océan Indien. 

Avec les acteur·ice·s de la zone, Lalanbik construit une plateforme chorégraphique dans l’océan Indien – IOCAN- visant à renforcer la circulation des artistes et des oeuvres au niveau régional, national et international, à constituer un espace économique viable, à renforcer les capacités professionnelles et de production. Lalanbik est fondé en 2014 à l'Ile de La Réunion. Il contribue à la valorisation des acteurs et des écritures chorégraphiques des territoires de l'Océan Indien. Lalanbik met en œuvre des outils de ressources en ligne : l'un, son site internet, concerne l'actualité Danse Océan Indien et l'autre, sa vidéothèque, apporte des contenus sur les écritures des Danses traditionnelles ou contemporaines. Lalanbik travaille en partenariat pour mener ses actions en faveur de l'élargissement des publics : médiathèques, salles de diffusion, compagnies chorégraphiques, écoles de danses, établissements scolaires et d'enseignement supérieur.

Depuis 40 ans, le Gymnase œuvre au soutien et au maillage de la danse sur la métropole lilloise, ainsi que sur le territoire régional, national et international. L'accompagnement des artistes et des publics est au cœur de ses missions.

En 2022, pour cette 32è édition du Temps d’Aimer, le festival s’inscrit dans la continuité d’une programmation éclectique avec 31 compagnies, une forte présence dans toute la ville de Biarritz (gigabarre le long de l’océan, scènes ouvertes, bal…), et également des compagnies en itinérance sur l’ensemble du Pays Basque. Une programmation foisonnante qui multiplie les rendez-vous. Des ballets, des compagnies internationale à celles du territoire, des grandes formes aux solos, des noms confirmés aux jeunes artistes à découvrir, le festival affiche une pluralité d’esthétiques, une diversité d’univers et de propositions et renouvèle autour de 81 rendez-vous son désir de partager la danse avec générosité avec tous les publics.

En 1985, l’actuelle compagnie des Ballets de Monte-Carlo voit le jour grâce à la volonté de S.A.R. la Princesse de Hanovre qui souhaite s’inscrire dans la longue tradition de la danse à Monaco. L’arrivée de Jean-Christophe Maillot en 1993 fait prendre un essor international à la compagnie grâce à ses ballets reconnus dans le monde entier et sa politique d’invitation d’autres chorégraphes.

Depuis novembre 2018, Ludovic Moreau dirige l’Avant Seine / Théâtre de  Colombes avec un projet reflétant le dynamisme de la création actuelle  dans le but de brasser toutes les générations et les cultures. Chaque  saison est composée d’une quarantaine de spectacles de toute discipline  artistique confondue avec un accent sur le jeune public, notamment avec  le rendez-vous trimestriel Les Enfants d’abord, la danse et les cultures du monde.

Dès sa création, la Maison de la Danse a fait preuve d’une conscience  patrimoniale en mettant en place une politique de l’image. Une grande  partie des spectacles programmés sont filmés par Charles Picq ; une  collection vidéo se constitue et la danse y apparaît dans sa dimension internationale, sous toutes ses formes, genres et styles.

Le projet MAD de Tiago Guedes, nouveau directeur de la Maison de la danse              
Maison + Ateliers + Danse = MAD
L’équation est simple, le résultat inattendu.
La Maison de la danse, forte de toute son histoire et  de son engagement depuis plus de 43 ans, se réinvente : les Ateliers de  la danse seront inaugurés en 2026.
La Maison, lieu physique, les Ateliers, lieu en  préfiguration, deux lieux complémentaires conçus pour amener publics et  artistes à vivre ensemble l’art chorégraphique dans tous ses états.
Dès la saison 23-24, les Ateliers rejoignent la Maison de la danse autour de MAD, un nouveau projet pour un futur partagé de la danse à Lyon.

 

Centre Chorégraphique National d'Aquitaine en Pyrénées-Atlantiques - Malandain Ballet BiarritzThierry Malandain est un chorégraphe reconnu pour son vocabulaire unique qui puise sa richesse dans une harmonie entre le présent et le classique. Il alterne entre des visions nouvelles et personnelles d’œuvres du Répertoire et de pures créations… Il est depuis 1998 directeur et chorégraphe du Centre Chorégraphique National de Biarritz et directeur artistique du festival le Temps d'Aimer à Biarritz.

Mille Plateaux, Centre Chorégraphique National La Rochelle, abrite le nouveau projet d’Olivia Grandville depuis janvier 2022.  Mille Plateaux se veut un espace de création, d’expérimentation, et d’innovation artistique ; il souhaite refléter la vitalité et la diversité de la scène contemporaine, être une maison des cultures chorégraphiques au sens large.  

Le Ministère de la Culture a pour mission de rendre accessibles au plus grand nombre les œuvres capitales de l'humanité. Il conduit la politique de sauvegarde, de protection et de mise en valeur du patrimoine culturel, favorise la création et le développement des pratiques artistiques et contribue au développement de l'éducation artistique et culturelle des enfants et des jeunes adultes tout au long de leurs cycles de formation.

Créé en 1981 par Georges Frêche et Dominique Bagouet, le Festival Montpellier Danse est un événement majeur de l’art chorégraphique en France et dans le monde. Accueillant chaque année les chorégraphes les plus importants mais aussi les jeunes talents, le festival souhaite montrer toutes les danses au nombreux public qui fréquente ses salles : classique, contemporaine, traditionnelle.

Crée en 2011, la Compagnie Nawel Oulad mène des projets de danse contemporaine en lien étroit avec les arts plastiques et les sciences  humaines. La troupe se fédère autour de projets artistiques hybrides,  spectacles mais aussi performances, installations, et films.
L’écriture  chorégraphique commence par une rencontre avec un sujet, un paysage,  une matière, puis les sensations, les mots et les images s'incorporent  pour faire naitre le mouvement et la spatialité.
Les créations  interrogent nos rapports au monde et à notre histoire (collective et  individuelle). Dans cette démarche la compagnie investit la scène mais  aussi des lieux où on ne l'attend pas: l'angle d'une rue, un bâtiment  désaffecté, une galerie, un appartement...
Convaincue de l'importance  de l'art comme vecteur de lien social la compagnie propose des ateliers  et rencontres lors de la diffusion des pièces. 

Nicolas Habas vient du cinéma d’abord, comme scénariste et réalisateur de plusieurs courts métrages de fiction dont Le mal de Claire, diffusé sur France 3 et de documentaires (La parole en chantier, triptyque sur un quartier populaire en renouvellement urbain). Il est très intéressé par les tensions entre le réel et l’imaginaire, la société et l’intime, la géographie et les territoires. En 2014, il développe la web série dansée Le corps de la ville, accompagné par le Festival La Rochelle Cinéma, qui l’emmène aux quatre coins de la France et dans plusieurs pays européens. Réalisée dans le cadre du 30° anniversaire des Eurockéennes de Belfort et diffusée sur Arte Concert, Mouvements est sa deuxième web série. Le corps de la ville, décliné au format documentaire 52’, est aujourd’hui un programme diffusé par France Télévision. Parallèlement, Nicolas continue de développer une approche personnelle de l’écriture corps/caméra dans l’espace, notamment au travers de sa collaboration avec le chorégraphe Bouziane Bouteldja, dont il adapte actuellement la pièce Ruptures.

En 1993, Olivier Meyer crée le festival Suresnes Cités Danse. Né de la rencontre, en juillet 1991, avec Doug Elkins, jeune chorégraphe new-yorkais et hip hoper, le Festival est dédié aux danses urbaines et se veut laboratoire d’expérimentation et d’idées favorisant de nouvelles formes chorégraphiques. Au fil de ses éditions, Suresnes Cités Danse a donné ses lettres de noblesse à la danse hip hop et offert un rayonnement non seulement en France mais aussi à l’international à de nouvelles propositions chorégraphiques. Dès ses débuts, le Festival a permis, dans un éloge du métissage, des créations hybrides, des rencontres inattendues entre le hip hop et d’autres langages chorégraphiques : danse contemporaine avec les chorégraphes José Montalvo et Dominique Hervieu, Pierre Rigal, Denis Plassard, Blanca Li, Laura Scozzi ou encore Robyn Orlin, Angelin Preljocaj ; danse classique avec Marie-Agnès Gillot, Jérémie Bélingart ; mais aussi tous les univers musicaux, du rock au jazz en passant par la musique baroque. Olivier Meyer s’est attaché à accompagner et à faire émerger toute une génération de danseurs hip hop, de chorégraphes comme Mourad Merzouki, Farid Berki, Kader Attou, Mickaël Le Mer… Il les a fait venir sur la scène du Théâtre de Suresnes Jean Vilar, a rendu visible et accessible le meilleur de la danse des cités et a donné droit de cité à de nouvelles formes de danse.

Après 13 ans à la direction artistique du CCN du Havre Haute-Normandie, Hervé Robbe continue son aventure d’artiste et de pédagogue depuis janvier 2012 au sein de Travelling & co. Il expérimente une hybridation singulière entre la danse et l’image filmée, invente des objets artistiques aux formats multiples, formes spectaculaires pour l’espace scénique, films, installations plastiques.

De 1990 à 2008, le CCNBFCB a été dirigé par Odile Duboc. Laurent Vinauger en a assuré la direction par intérim de 2009 à mai 2010. De mai 2010 à  février 2015, Joanne Leighton en a été la directrice. En mars 2015, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux ont été nommés co-directeurs. Le Centre chorégraphique national de Bourgogne Franche-Comté à Belfort est un espace  exemplaire dédié à la danse qui offre les conditions idéales pour créer un spectacle dans sa globalité.

« Je me suis installé dans les bois  parce que je souhaitais effectuer de vrais choix de vie, me confronter  exclusivement aux faits essentiels de la vie, pousser la vie dans ses  retranchements, la rapporter à ses éléments de base ». — Henry David Thoreau

« WLDN est un projet et une philosophie. Walden est le titre du roman d’Henry David Thoreau (1817-1862), essayiste, enseignant, philosophe,  naturaliste et poète américain. Publié en 1854, ce roman influença de  nombreux courants de pensée et servit de référence à ceux qui  cherchaient à renouer avec des valeurs fondamentales. Henry David Thoreau y raconte son expérience durant deux ans de sa vie autonome au  milieu de la nature.

WLDN peut être décrit comme une sorte de “strip-tease  transcendantal”, ce qui représente l’acte de revenir à la matière fondamentale et à une simplification du travail, à l’essence d’un  spectacle en termes de danse, de mouvement et de site. Cette simplicité peut et doit inclure un travail sur scène ainsi qu’un travail hors scène  et dans l’espace public. Elle peut aussi inclure des productions de  documentation et publication, par exemple sur les réseaux sociaux  facebook ou twitter... 

Comment l’acte de Thoreau résonne-t-il dans notre paysage culturel contemporain en mutation et comment travailler avec les outils simples  d’aujourd’hui pour créer, enregistrer, noter, éditer et disséminer ? » — JL