Mathilde Monnier & Dominique Figarella

création du 4 au 6 juillet 2010. Festival Montpellier Danse
 

Quand j'ai rencontré Dominique Figarella, j'ai cherché en quoi son travail m'avait autant frappé et ce qui pouvait trouver un sens sur scène. La première chose a été l'échelle de grandeur et la façon dont Dominique perçoit ses formats. Ceux-ci sont assimilables pour moi à des plateaux, à des scènes.
D'autres éléments m'ont intéressé : l'intégration dans le tableau du geste du peintre par la photo, le rapport aux objets inscrits dans la surface, et surtout le choix de certains matériaux et techniques : chewing-gum, transparence, plumes, tâches. Certains de ces matériaux font référence à des processus inconscients liés au mouvement, comme l'élan, le jaillissement, l'éclat, l'explosion, l'énergie.
 

La relation danse / peinture s'inscrit dans une longue tradition où le peintre entre dans l'univers de la danse et de la scène par le biais du fond du plateau, en l'occurrence par l'accrochage de toiles qui créent un espace vertical servant de décor. Notre idée pour cette pièce est de fonctionner à l'inverse, c'est-à-dire de repartir du laboratoire de travail, à la fois salle de répétition et atelier du peintre, et de confondre nos pratiques pour construire un espace théâtral directement issu de l'élaboration d'une œuvre peinte.
Cette rencontre nous a amené à inventer une scénographie pensée autour de deux types de matières qui se déploient jusqu'à envahir totalement l'espace. Cette scénographie s'impose aux danseurs, les contraint à élaborer un corps dansant à la mesure de cet événement scénique qui s'étale. Cette « matière monde » constitue le nouveau milieu dans lequel ils doivent évoluer et se mouvoir, où le corps se transforme et s'adapte plutôt qu'il ne sert d'outil pour construire. Mathilde Monnier

Soapéra

version théâtre / spectacle

Sur le plateau, une production de matière abonde, se déploie jusqu'à l'envahir. Elle s'impose aux danseurs, les contraint à élaborer un corps dansant à la mesure de cet événement scénique qui s'étale sans cesser de croître. Cette « matière monde » constitue le nouveau milieu dans lequel ils doivent évoluer et se mouvoir, où le corps se transforme et s'adapte plutôt qu'il ne sert d'outil pour construire. La scène comme surface de projection commune : c'est à partir de principes de traduction réciproque que Dominique Figarella, le peintre, et Mathilde Monnier, la chorégraphe, ont inventé ce tableau-plateau en devenir – canevas découpé, arpenté, raccommodé par les actions qui lui donnent consistance.Des décors de Picasso aux scénographies de Robert Rauschenberg pour Merce Cunningham, peinture et danse se sont souvent rencontrées – sans emmêler leurs pinceaux. Dans Soapéra les danseurs-plasticiens élaborent un territoire évolutif, utilisant les matériaux à leur disposition comme outils, éléments picturaux ou appuis dynamiques. De jaillissements en éclats, leurs corps ne cessent de produire des agencements – de cadrer, de remuer, d'étaler. Ça résiste, ça se décompose, se déplace... les déplace. À mesure que la scène s'imprègne de traces, un événement plastique, composé de toutes ces couches successives, se révèle. Cherchant à « s'échanger des formes », Mathilde Monnier et Dominique Figarella signent un Objet Dansant Non Identifié. Un opéra pop et ludique. Le dialogue tient une place déterminante dans le travail de Mathilde Monnier. Ses collaborations, avec Jean-Luc Nancy, Christine Angot, Philippe Katerine ou La Ribot, instaurent des jeux de miroirs, mettant à l'épreuve les codes de la représentation. Dans l'œuvre de Dominique Figarella, substances insolites, textes, textures et tâches perturbent la lecture de la toile, invitant aux dérives imaginaires.

Gilles Amalvi pour le programme du festival d'automne

Soapéra
version centre d'art / performance

Le spectacle Soapéra fait l'objet d'une adaptation pour les lieux d'art contemporain.
La collaboration avec l'artiste visuel Dominique Figarella nous amène à proposer cette nouvelle version résolument plus plastique et une réflexion performative dans le white cube.
L'idée est de prolonger dans l'espace d'exposition, trois moments prélevés dans la dramaturgie de Soapéra.
Cette translation dans le white cube, de scènes initialement conçues pour l'espace théâtral, est l'occasion pour nous de poursuivre notre collaboration et de déplacer la place du spectateur pour mettre en crise la coupure qui le soustrait de la scène.

Ces trois moments seront chronologiquement noués comme une disparition progressive de l'espace scénique d'où les danseurs se délocaliseront pour agir directement dans le public.
Le blanc générique de l'espace de l'exposition traditionnellement support et cadrage des œuvres est ici mis en abîme dans un volume à une échelle monumentale. Il est matérialisé par une matière éphémère qui envahit progressivement le lieu. Il vient reformer un espace théâtral dans une boîte blanche. Les formes qui surgissent ne donnent pas lieu à un accrochage sur les murs du lieu mais sont manipulées en direct avant leur disparition. La performance se déroule selon une dramaturgie liée à ce temps de la disparition et à l'incursion des danseurs dans le public. 

C'est une pièce plastique et chorégraphique qui place le spectateur au cœur du dispositif.

Mathilde Monnier

date de mise à jour 19 janvier 2011

Mathilde Monnier occupe une place de référence dans  le paysage de la danse contemporaine française et internationale. De  pièce en pièce, elle déjoue les attentes en présentant un travail en  constant renouvellement.

Sa nomination à la tête du Centre chorégraphique de Montpellier  Languedoc-Roussillon en 1994 marque le début d’une série de  collaborations avec des personnalités venant de divers champs  artistiques (Jean-Luc Nancy, Katerine, Christine Angot, La Ribot, Heiner  Goebbels...). 

Elle crée plus de 50 pièces chorégraphiques  présentées sur les grandes scènes internationales du festival d’Avignon  au Théâtre de la Ville de Paris en passant par New York, Vienne, Berlin,  Londres et reçoit plusieurs prix pour son travail (prix Ministère de la  culture, Grand Prix SACD).

Après avoir dirigé le CN D Centre national de la danse à Paris,  Mathilde Monnier reprend en 2019 son travail de création avec plusieurs  pièces Please Please Please (2019) qu’elle crée en collaboration avec La Ribot & Tiago Rodiguez, Records (2021) et Black Lights (2023).

Depuis 2020, Mathilde Monnier est résidente avec sa compagnie à la Halle Tropisme à Montpellier.

Source et en savoir plus : https://www.mathildemonnier.com/fr/

Un autre mouvement

Des images du spectacle vivant au vivant des images, le réalisateur et artiste vidéaste Karim Zeriahen semble avoir trouvé le chemin le plus court. Depuis le début des années 90, où il embarque sur la tournée Sud-Américaine du Cargo avec Philippe Decouflé, il met en mouvement l'art de la scène, la danse contemporaine le plus souvent.

Karim Zeriahen entame un compagnonnage fructueux avec Mathilde Monnier installée à Montpellier. Stop, Videlilah ou Le jour de nuit, courts films adaptés de créations de la chorégraphe puis La place du singe, captation d'un duo vivifiant où Mathilde Monnier y donne la réplique à l'écrivaine Christine Angot sont les témoins de ces échanges. A chaque fois la caméra de Karim Zeriahen investit ses territoires en mouvement, une gestuelle non pas figée mais magnifiée.

Le chorégraphe Herman Diephuis rejoint bien vite cette galerie de portraits dansants. On aura vu également des documentaires qui d'Albert Maysles à Hubert de Givenchy de Joe Dalessandro à Paul Morrissey imposent la signature de Karim Zeriahen. Une manière de filmer à la gestuelle assurée. Aujourd'hui, le réalisateur s'attache dans un projet nouveau à "aller chercher au delà des traits physiques dans les infimes mouvements du langage du corps". Soit une collection de portraits filmés comme autant de pièces uniques qui ne sont pas sans rappeler la tradition des portraits de maîtres ou de commande. Ces tableaux vivants voient les modèles poser devant la caméra de Karim Zeriahen pendant un temps donné quasiment immobiles laissant apparaître d'infimes traces de respiration, de battements de cils, de mouvements d'yeux. Filmés  puis retransmis en boucle sur une écran plat doté d'une carte mémoire.

Avec cette collection en train de se constituer, Karim Zeriahen s'interroge, à sa façon documentaire autant que plasticienne, sur ce monde virtuel abreuvé d'images. En prenant le temps de la pause, et ses modèles avec lui, il questionne notre regard.
A vue d'œil.

Source : Philippe Noisette, Site internet de Karim Zeriahen

En savoir plus : www.karimzeriahen.com