Coupé Décalé Acte 1 Extrait 2

2014
Année de création : 2014

Le projet Coupé-décalé s’intéresse au regard que portent les chorégraphes contemporains sur cette pratique populaire provenant de la culture Attiée (Côte d’Ivoire) apparue à Paris au début des années 2000.

 
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Coupé Décalé

COUPÉ-DÉCALÉ / ROBYN ORLIN & JAMES CARLES
PROJET EN 2 ACTES - Création février 2014

À PROPOS DU PROJET


La danse populaire apparaît comme une conduite individualisée qui permet aux 
interprètes de sélectionner, de reproduire ou de combiner les éléments du code de mouvements préexistant (...) Étant un moyen de communi- cation artistique, les signes chorégraphiques de la danse populaire n’ont pas une individualité propre dans le processus de la communication. Ils sont groupés dans des structures et des formes (à fonctionnalité interne bien précisée) suivant certains modèles établis par la tradition et étermi- nés par la logique de la pensée chorégraphique, constituant de cette manière les éléments expressifs capables de transmettre un message. Il va de soi que la langue chorégraphique populaire et la danse proprement dite se trouvent dans un rapport dialectique d’interdépendance, de conditionnement réciproque. Dans ce sens, on ne peut concevoir l’exécution d’une danse en dehors du processus préalable d’apprentis- sage ; d’autre part, la langue chorégraphique vit et s’enrichit seulement par sa pratique.
(Quelques aspects théoriques de l’analyse de la danse populaire de Vera Proca-Ciortea et d’Anca Giurchescu)
. Le projet Coupé-décalé s’intéresse au regard que portent les chorégraphes contemporains sur cette pratique populaire provenant de la culture Attiée (Côte d’Ivoire) apparue à Paris au début des années 2000. Aujourd’hui la création contemporaine s’empare de nombre de pratiques populaires et les interprète pour nourrir une « nouvelle langue chorégraphique », retour éternel comme source d’inspiration.

 

DE LA DANSE TRADITIONNELLE AU PHÉNOMÈNE POPULAIRE ESTHÉTIQUE ET SOCIOLOGIQUE


Le nom coupé-décalé vient d’une forme de danse traditionnelle de Côte d’Ivoire : l’Akoupé du groupe ethnique Attié en Côte d’Ivoire. Dans le début des années 2000 à Paris, ce mouvement à la fois danse et musique urbaine (croisant la rumba congolaise, le hip hop, les musiques caribéennes et les chansons populaires françaises) est impulsé par la communauté noire d‘origine africaine et antillaise. Il s’agissait pour cette jeunesse désorientée et désargentée (étudiants et sans papiers) de se donner une illusion de réussite et de respectabilité en fréquentant les plus grands clubs « Black » de Paris à côté d’une population véritablement aisée et qui montre avec une certaine insolence les signes extérieurs de nouvelle « réussite » sociale. Ces soirées donnaient lieu à des compétitions de « frime » (farôter) : C’est la personne la mieux habillée, c’est-à-dire, qui portait les plus grandes marques et qui dépensait le plus d’argent qui était désigné comme étant le vainqueur.
Peu à peu les individus se sont constitués en groupe et organisaient des « battles » d’un nouveau genre. On vit ainsi apparaître des groupes comme la « Jet Set » de Paris, la « Jet8 », les « Intouchables » en France, mais également à l’étranger comme les « Siciliens de Ge- nève » en Suisse, la « Cour royale » à Londres etc... Ces groupes se livraient à de rudes « batailles » et avaient mis au point un nouveau langage, un style vestimentaire, des rituels, comme par exemple celui de distribuer d’importantes sommes d’argent au public « le travaillement ». C’est un producteur de musique David Monsoh qui, en observant ces « jeux » très particuliers de jeunes adultes (ils avaient entre 18 et 24 ans), a eu l’idée d’en faire un grand mouvement populaire. C’est la « Jet set » de Paris qui fut choisi, le leadership fut naturellement donné à Doug Saga, car naturellement excentrique, extravagant et impertinent.

Au fil du temps, la danse se popularise sous l’impulsion d’un groupe de DJs ivoiriens tel que DJ Jacob et on nomme la danse « Décalé-coupé
» puis « Coupédécalé » pour des raisons esthétiques. Douk Saga sort le premier morceau dénommé « Sagacité » en 2003. Le clip vidéo « Saga-cité » promeut la danse, mais aussi les concepts qui accompagnent le coupé-décalé : « Farot farot » (faire le malin), « Boucantier » (homme qui fait parler de soi, qui fait son « Boucan »), « Travailler » (jeter des billets de banques). C’est alors que les boucantiers de la JetSet arrivent à Abidjan, les prestations et concerts se multiplient, notamment un concert géant au Palais de la culture de Treichville.
Le nom des danses et des musiques est assez évocateur : crise économique (titre musique et danse : Qualité de vie/ Lâcheté), guerre en Irak (titre musique et danse : Guantanamo), épidémie (titre musique et danse : grippe Aviaire) etc. Il y a aussi des textes plus « légers » ou plus « politiques » (titre musique et danse : On ne sait pas où on va mais on y va quand même !). Un des avatars de cette esthétique est le « LOGOBI », musique et danse de bal dans sa forme la plus primaire, populaire et consensuelle (titre : Corde à sauter...).
Cette esthétique va irriguer à une vitesse remarquable la société française et africaine dans toutes ses composantes. Bien que portée de façon dominante par les jeunes issus de classes défavorisées, leurs ambitions dépassent les clivages sociaux, ethno-raciaux et nationaux. Elle fût adoptée de façon très spontanée par la jeunesse de tous les continents. La danse se pratique aussi bien par les hommes que les femmes, mais la « présence masculine » est plus importante. Les DJ parisiens ont fortement contribué au développement, ainsi qu’à la diffusion de cette danse/musique. Les danses sont improvisées et chaque « pas de base » ou « concept » sont nommés. Il y a réciprocité et coïncidence entre la danse et le concept qui la sous-tend. Cette musique/danse a plusieurs visages : satire sociale et politique, danse à forte connotation sexuelle, pur divertissement etc.



DU PHÉNOMÈNE POPULAIRE 
AU PROJET CHORÉGRAPHIQUE EN 2 ACTES

Le projet volontairement scindé en deux parties met en scène le danseur et chorégraphe James Carlès dans une vision que s’approprie Robyn Orlyn. On connaît la passion de la chorégraphe sud-africaine pour tous les phénomènes dansés et identitaires liés à la culture noire. Quant à James Carlès, il poursuit son travail de recherche sur l’origine et l’émergence des danses noires et leur circulation dans le monde entier.
Dans le deuxième acte, il propose sa vision du coupédécalé avec les danseurs qu’il a choisis pour leur connaissance et leur maîtrise de cette danse. 
Les deux actes offrent ainsi une confrontation de regards qui tend à figurer notre propre approche de la danse noire.

 

 

 

COUPÉ-DÉCALÉ / ACTE 1 / I AM NOT A SUB-CULTURE, RATHER A GALLERY OF SELF-PORTRAITS WITH A HISTORY WALKING IN CIRCLES

SOLO DE ROBYN ORLIN POUR JAMES CARLES


« Je connais mieux l’Afrique anglophone que l’Afrique francophone, je n’avais jamais entendu parlé du coupé-décalé. James Carlès est venu me voir et m’a montré des images filmées dans des discothèques, cela m’a fait penser à des danses et des mouvements qui sont sortis des townships d’Afrique du Sud à la fin de l’apartheid. Le kwaito dans les années 1990 et le pantsula un peu avant offraient un mode d’expression aux jeunes générations, elles y trouvaient un exutoire à la misère et une manière de s’affirmer. Je retrouve dans toutes ces danses et mouvements populaires une combinaison d’humour, d’histoire douloureuse et d’humanité.
Nous avons regardé des vidéos de ses pièces chorégraphiques et nous avons surtout énormément parlé, échangé sur des sujets qui nous touchent personnellement tous les deux : comment nous sommes considérés dans notre pays et dans des pays où nous sommes étrangers, comment sont considérés nos enfants dans ces pays...
Nous avions des expériences et des perceptions sensiblement différentes, mais nos questionnements étaient les mêmes. Je lui ai donc soumis le projet de créer un solo avec lui. Je suis curieuse de voir comment il peut amener sur la scène son histoire personnelle, entre le Cameroun, les Etats-Unis et la France. Et je voudrais replacer cette histoire dans un contexte plus large, celui de l’Europe où pour ma part je vois une ligne de couleur traversant les sociétés.
Quand je décide de travailler sur des formes d’expression populaire, j’aime aller à la source des choses et construire le spectacle avec les gens qui pratiquent vraiment cette forme de danse ou de musique chez eux. C’est ce que m’ont permis de faire les membres du groupe Via Katlehong Dance qui mixent le pantsula et le gumboot d’Afrique du Sud pour le spectacle Imbizo e Mazweni.
Je travaille de manière très intuitive, sur le moment avec le ou les danseurs,
à partir de leur « storytelling », leur histoire et la façon dont ils racontent cette histoire. Pour ce solo, nous utiliserions sans doute de la musique de dancefloor et l’intérêt de James pour le coupé-décalé, d’autant que la créativité vestimentaire, l’élégance, est une caractéristique importante du mouvement. Je suis très intéressée par cette dimension aussi. » 
Robyn Orlin.

Propos recueillis par Dominique Crébassol (Novembre 2012)

COUPÉ-DÉCALÉ / ACTE 2 / ON VA GÂTER LE COIN !
PIÈCE DE JAMES CARLÈS POUR 5 DANSEURS
LE TRAVAIL DE LA VIDEO CE QUE L’ON SAIT DE L’ORIGINE DU MONDE / CHARLES ROSTAN


Mon travail de la vidéo du « Coupé-décalé. Acte 2 : On va gâter le coin ! » s’inspire de l’essai de Stephen Smith (Négrologie : Pourquoi l’Afrique meurt aux éditions Calmann-Lévy, 2003), où son point de départ « tombe sous le sens pour qui n’a pas de parti pris, ni amour ou haine de l’Afrique ni honte de soi : Le présent n’a pas d’avenir sur le continent. La liberté de ton est celle de l’urgence, sans mépris pour personne.».
Le Coupé-décalé m’apparaît comme né de cette urgence, danse hybride, forme expressive fondée sur des contraires, une émancipation face à la dureté du quotidien. « Akoupé » symbolise le corps coupé et signifie tricher, voler, arnaquer. « Décalé » symbolise l’idée de faire fortune en partant ou en s’enfuyant. C’est dans cette analogie que m’est apparue l’image de ce corps matriciel, conflictuel, générant des images de l’Afrique actuelle, une présente absence. L’Afrique est le mouroir de tous les espoirs, pourquoi meurt-elle ?
Parce qu’elle se suicide dans un environnement démonté par la mondialisation. J’exploite moi même ce corps comme on exploite les ressources et richesses de ce pays. C’est l’image du tronc du monde, le corps de la femme noire originelle, fondatrice, créatrice mais un corps en souffrance, gisant, agonisant et privé de ses membres pour agir.
 Comme Stephen Smith dans la conclusion de son ouvrage, je m’adresse ici à mes « amis occidentaux qui perçoivent le continent noir comme un grand parc naturel et leurs habitants - immuables depuis la nuit des temps comme hantés de vieux démons. [...] Ils entretiennent [ainsi] un rêve fou qui tue.».
La temporalité de la vidéo traduit ce suicide assisté, ce décalage entre modernités tardives et cultures authentiques. Les images montrées entretiennent ce rêve fou et meurtrier. Il y a des rescapés dans cet océan de malheur. Certes l’Afrique est éternelle, elle est le berceau de l’humanité avant qu’elle ne devienne son tombeau. Oui heureusement, l’Afrique bouge, les corps bougent et vivent d’une apparente simplicité mais j’imagine maintenant faire bouger des cadavres.
S’agitent-ils dans une danse macabre ?

 

GENERIQUE

Acte 1 :
I Am Not A Sub-culture, Rather A Gallery of Self-Portraits with A History Walking in Circles

Solo de Robyn Orlin pour James Carlès

Durée : 35 mn


Acte 2 :
On va gâter le coin !
Pièce de James Carlès pour 5 danseurs

Durée : 45 mn

Distribution Acte I
Chorégraphie : Robin Orlin

Intérprète : James Carlès


Vidéo : Charles Rostan


Lumière et régie : Arnaud Schulz


Distribution Acte II
Chorégraphie : James Carlès


Intérprètes : Brissy Akezizi, Clément Assémian, Gahé Bama, Frank Serpika, Stéphane Mbella

Vidéo : Charles Rostan


Lumière et régie : Arnaud Schulz

 

 

 

Orlin, Robyn

Née en 1955 à Johannesburg, Robyn Orlin a bénéficié de bourses d'études à Londres (London Contemporary Dance School) puis à Chicago (School of Art Institute).
Depuis sa première performance à Johannesburg en 1980, elle est devenue, tout en tentant de redéfinir la chorégraphie et l'art de la scène dans son pays, une des chorégraphes les plus engagées contre l'apartheid.
Partant du principe que « la danse est politique », elle prend en considération dans ses créations la situation sociale et culturelle de l'Afrique du Sud : ses influences, son histoire, ses clivages et ses ruptures. La chorégraphe crée ainsi « une danse iconoclaste qui met les pieds dans le plat », une danse - chronique de la société sud-africaine d'aujourd'hui maniant avec talent l'ironie et la dérision, une danse brassant sans vergogne références et identités, alliant les cultures traditionnelles populaires et la radicalité des avant-gardes, une danse capable de briser la frontière artistes – public en remettant le spectateur au cœur de la création.
Robyn Orlin vient pour la première fois en France en avril 2000 à l'invitation de la Filature, scène nationale de Mulhouse avec « Daddy, I've seen this piece six times before... »
La reconnaissance est immédiate : Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint- Denis, Festival Montpellier danse,Théâtre de la Ville, puis des tournées dans le monde entier.
En 2004, Robyn Orlin participe à l'inauguration du Centre national de la danse à Pantin et crée un solo pour Sophiatou Kossoko dans le cadre du Vif du Sujet.

De septembre 2005 à la fin 2007, Robyn Orlin est accueillie en résidence au Centre national de la Danse de Pantin. En 2005 elle crée « When I take off my skin and touch the sky with my nose, only then I can see little voices amuse themselves... » pièce avec 6 chanteurs d'Opéra sud-africains, puis durant l'été, « Hey dude... i have talent... i'm just waiting for god...,» un solo pour la danseuse-chorégraphe Vera Mantero. « Dressed to kill... killed to dress ...” pour des Swenkas sud-africains, est créée en février 2008 au Festival Dance Umbrella de Johannesburg et est présentée en tournée européenne (Paris, Liège, Luxembourg, Bruxelles, Vienne ...). Robyn Orlin créée une mise en scène de “Porgy & Bess” à l'Opéra Comique à Paris en juin 2008. “Walking next to our shoes... intoxicated by strawberries and cream, we enter continents without knocking...” met en scène les chanteurs de la chorale Phuphuma Love Minus et est créée en février 2009 au festival Dance Umbrella de Johannesburg et reprise dans le cadre du Festival Banlieues Bleues au Théâtre Gérard Philippe de Saint Denis. En septembre 2009, Robyn Orlin crée une pièce au Louvre, avec huit gardiens du musée : “Babysitting Petit Louis”. En 2010, elle crée un solo avec le danseur de hip-hop Ibrahim Sissoko : “Call it... kissed by the sun... better still the revenge of geography” et reprend “Daddy...” au festival Les Hivernales à Avignon et à la Grande Halle de la Villette à Paris.

Les titres et récompenses que reçoit Robyn Orlin pour son travail sont nombreux. En 1999, elle obtient le troisième prix aux Rencontres chorégraphiques de l'Afrique, et en 2000 le prix Jan Fabre de l'œuvre la plus subversive aux Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis. Robyn Orlin a été nommée Chevalier dans l'Ordre National du Mérite le 28 février 2009 par Denis Pietton, Ambassadeur de France à Johannesburg.

Ses dernières créations

Beauty remained for just a moment then returned gently to her starting position
2012

Have you hugged, kissed and respected your brown Venus today?
2011

Call it… kissed by the sun…better still the revenge of geography… : solo for Ibrahim Kossoko
2010

Walking next to our shoes...
Intoxicated by strawberries and cream, we enter continents without knocking...
2009

Dressed to kill… killed to dress…
2008

Porgy and Bess
2008

L'Allegro, il pensero ed il moderato
2007

Confit de canard
2007

When I take off my skin and touch the sky with my nose, only then can I see little voices amuse themselves
2005

En savoir plus

Ressource électronique de la médiathèque du Centre national de la danse
Robyn Orlin

http://theartchive.co.za/robyn-orlin/

Site internet de l'artiste : robynorlin.com

Dernière mise à jour : septembre 2012


Carles, James

James Carlès est chorégraphe, chercheur et conférencier. Il reçoit une formation initiale en danses et musiques d'Afrique et de sa Diaspora puis il se forme auprès des grands noms de la danse moderne à New York et à Londres principalement. Depuis 1992, il a engagé une démarche artistique et analytique qui explore les "lieux de jonctions" entre les danses, rythmes et philosophies d'Afrique et de sa Diaspora avec les techniques et les cadres de pensées occidentales. A ce jour, le répertoire de sa compagnie est riche de plus d'une cinquantaine de pièces de sa propre création et d'auteurs comme Katherine Dunham, Pearl Primus, Talley Beatty, Asadata Dafora, Géraldine Armstrong, Rick Odums, Wayne Barbaste, Carolyn Carlson, Robyn Orlin, etc.

Danseur soliste et performer hors pair, James Carlès a été interprète et collaborateur artistique pour non seulement, de nombreux "ensembles musicaux" allant du Baroque, à la musique contemporaine, en passant par le Jazz; mais également des chorégraphes tels que Carolyn Carlson, Robyn Orlin, Rui Horta, Myriam Naisy, etc.

Artiste associé à l'Astrada-Jazz In Marciac de 2012 à 2014, chercheur associé au laboratoire LLA Créatis de l'université Jean-Jaurès de Toulouse, James Carlès est particulièrement investit dans des projets patrimoniaux pour la diversité et la diffusion de la culture chorégraphique.
Il est également créateur et directeur artistique du festival "Danses et Continents Noirs".

L'équipe technique

CHARLES ROSTAND
Charles ROSTAND, vidéo Réalisateur, OPV, monteur, compositeur et multiinstrumentiste accompli, il a découvert la musique électronique à l’Asian Dub Fondation à Londres où il a travaillé sur divers projets mêlant musiques traditionnelles, acoustiques et électroniques. Il collabore depuis 12 ans avec James Carlès sur les créations musicales de la compagnie James Carlès.

BRISSY AKEZIZI
Arnaud SCHULZ, lumière et régie Formé au Centre de Formation Professionnel des Techniciens du Spectacle (CFPTS) à Bagnolet, il commence sa carrière à la Pépinière Opéra à Paris. Depuis 2005 il travaille en étroite collaboration avec la Cie de James Carlès participant à la création de Danse avec les dieux, de Danse de l’esprit, de Jazz.com et de TamTam. La recherche de l’ambiance « juste », le rapport évident qui doit exister entre l’oeuvre et la lumière, sont le fruit d’expériences multiples, variées et diversifiées. Ses expériences dans divers domaines (expositions au Grand Palais, à la Cité de l’Espace..., événementiels pour Airbus, Pierre Fabre, Danone..., court-métrage, clip vidéo, publicité) et sa curiosité l’amènent à utiliser toutes les ressources disponibles pour créer les ambiances de lumière, notamment les projecteurs automatisés ou asservis.

Les danseurs

GAHÉ BAMA ELOI dit Gahé, danseur et chorégraphe burkinabé d’origine Ivoirienne, se forme à l’EDEC (Ecole de Danse et d’Echanges Culturels) d’Abidjan. En 1996, c’est le village de Kiyi-M’Bock de Wêrê-Wêrê Liking, grande école africaine du spectacle vivant, qui l’accueille, il y reçoit pendant cinq ans une solide formation. En 2000, il s’installe au Burkina Faso, et travaille alors au côté de Blandine Yameogo, talentueuse chorégraphe burkinabé, à la MJC de Ouagadougou, comme professeur de danse et chorégraphe, danseur au côté de Prospère Compadoré, directeur de l’ATB (Atelier Théâtre Burkinabé) et comme chorégraphe avec la Cie Espérance. A travers Dialogues de corps, initiatives originales de la Cie Salia nï Seydou, il rencontre Brumachon, Lamarche, Salia Sanou, Seydou Boro, Rokiya Koné, Alassan Congo. En 2001, il créé la Cie Téguéré et signe la chorégraphie de Yengré ou Racines qui ouvre l’édition 2003 de Dialogues de corps.  Avec la Cie Yikôdancefaso, créée fin 2006, il met en oeuvre en France un projet d’expression personnelle sur des créations solo, des improvisations et des performances. Actuellement, il danse pour la Cie James Carlès et donne des cours et stages dans l’Aude, à Toulouse, ainsi que dans toute la France, l’Europe et l’Afrique.


BRISSY AKEZIZI est danseur et chorégraphe formé
 en hip-hop, break dance, afro, salsa, Jazz, contemporain, classique et arts du cirque. Il est danseur dans la Compagnie TROK’I.D et enseigne le hip-hop, le break dance et la danse afro au Centre de danse SBDANSE à Auch, à Masseube et à Mirande, et anime divers stages dans le Gers et en Midi-Pyrénées. Son agrément de l’Education Nationale en danse afro lui permet également d’animer des ateliers dans des écoles auscitaines.


CLÉMENT ASSÉMIAN né en Côte d’Ivoire, commence sa carrière de danseur puis chorégraphe de la Cie Kouamé Black Show en 1985 et donne de nombreuses représentations. Clément possède une solide formation en modern jazz, hip-hop, comédie musicale et en danse Africaine (stage de jazz avec Réda, Ralph Gle,more de la Cie Alvin Ailey... ). A partir de 1990, il enseigne la danse africaine dans des écoles de Côte d’Ivoire (L’Arc-en-Ciel, Adage Cocody... ) et intervient durant trois ans à l’Institut National Supé- rieur des Arts d’Abidjan. Depuis 2000 en France, au travers de ses cours et ses stages, Clément Assémian souhaite faire partager à ses élèves l’histoire de la danse traditionnelle de Côte d’Ivoire et d’autres pays africains (Mali, Guinée, Bouroundi, Afrique du Sud, ...) ainsi que de la danse populaire Ivoirienne.


FRANCK ARMEL SERIKPA né en Côte d’Ivoire, danse depuis son enfance, bercé par les rythmes et les chants de son pays. A 15 ans, il intègre l’école de danse africaine Le Village Kiyi, l’une des plus grande école d’Afrique de l’Ouest, puis l’école
 de Marie-Rose Guiraud, où il approfondit les techniques de la danse africaine traditionnelle. Il se forme en danse contemporaine avec Nestor Kouamé et David Droit. Il travaille avec plusieurs compagnies de ballet en Côte d’Ivoire avec lesquelles il s’est produit dans le monde entier. Parallèlement, il se forme auprès de grands chorégraphes tels que Georges Momboyé et Kamel Ouali. Depuis 2010, il participe à Toulouse à de nombreuses représentations et monte en parallèle des projets sur de nouvelles créations basées sur l’afro-Contemporain.


STÉPHANE MBELLA né en 1984 à Yaoundé au Cameroun, il commence la danse à 12 ans par la salsa et le ragga dancehall. A l’âge de 17 ans il découvre le hip-hop et décide de s’y consacrer. Il danse et évolue au sein de la Cie Dans6T depuis 2001. Vainqueur du battle international Open Sur Force 2010 à Aix-en-Provence catégorie dance- hall, ainsi que de différentes battles en hip-hop, Stéphane Mbella est à la fois danseur, chorégraphe et professeur (hip-hop, hip-hop new style, ragga dancehall). Il est danseur et co-chorégraphe pour la pièce Les 4 vents, danseur interprète dans Duende ainsi qu’au festival de Gavarnie avec Cyrano de Bergerac dans lequel il interprète le rôle de Monfleury. Il enseigne actuellement au sein de l’association Dans6T ainsi qu’au Centre James Carlès à Toulouse.

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Centre Chorégraphique James Carlès

Centre Chorégraphique James Carlès

Le Centre Chorégraphique James Carlès œuvre à la valorisation des formes chorégraphiques issues des traditions sociales et populaires en occident. En 1998 James Carlès créé le centre de danse éponyme autour de plusieurs axes : -La pratique amateur -La formation professionnelle conventionnée -La compagnie James Carlès Dance & Co -Le festival Danses et Continents Noirs -Des résidences pédagogiques (stages et Masters Class avec des artistes internationaux) Au sein de ses créations, la compagnie tend à confronter des cultures chorégraphiques diverses à d’autres formes d’art. Elle mène également des activités autour de la recherche, la conservation, la transmission, la diffusion et la sensibilisation des publics.

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